Notizbuch des Kritikers: Ein schillerndes und manchmal frustrierendes Schaufenster für Hollywood-Geschichte im Academy Museum

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Laut Hollywood-Überlieferungen ist seit neun Jahrzehnten ein Weltklasse-Filmmuseum in Los Angeles in Arbeit. In den 1960er Jahren hatte eine Gruppe von Branchenlegenden – darunter Walt Disney, Louis B. Mayer, Mary Pickford und Gloria Swanson – das Konzept vorangetrieben. Doch sie warfen das Handtuch, nachdem rechtliche Anfechtungen schließlich zu einem Showdown führten, bei dem ein mit Schrotflinten bewaffneter Besitzer eines Grundstücks an einem beabsichtigten Standort sein Revier verteidigte und erst nach einer Intervention einer „Armee“ der Stellvertreter des Sheriffs von LA County zurücktrat . Die Idee für die Academy of Motion Picture Arts and Sciences, ein Filmmuseum zu bauen – das für das Medium das sein soll, was der Louvre für die bildende Kunst ist – nahm erstmals bei einer Vorstandssitzung der Akademie im Jahr 2002 Gestalt an.

Die Diskussion über den Vorschlag von Debbie Reynolds, die Ausstellung ihrer umfangreichen Sammlung von Erinnerungsstücken aus dem alten Hollywood (die sie 1970 bei der Auktion von sieben MGM-Klangbühnen erwarb) zu subventionieren, legte den Grundstein und veranlasste 2004 die Einstellung von Mitarbeitern des Academy Museums für ein Gebäude, das sind in Hollywood aufgestiegen.

Locations, Architekten und Kuratoren kamen und gingen. Die Einstellungen, Entlassungen und ein endgültiger Umzug in die Gegend von Miracle Mile waren komplett mit Wendungen der Handlung, die an ein Robert Towne-Drehbuch erinnern.

Gebaut über sechs Jahre, beginnend im Jahr 2015, vom Pritzker-Preisträger Architekten Renzo Piano zusammen mit seinem Renzo Piano Building Workshop und Gensler als ausführendem Architekten – sowie unzähligen Weltklasse-Spezialisten aller Art, um das Aussehen und die verblüffendes technisches Handwerk, das daran beteiligt ist, den Ort genau richtig zu betreiben – das neue Academy Museum hat jeden Blockbuster, der jemals in Hollywood hergestellt wurde, übertroffen. Aber das Museum, das am 30. September an der Ecke Fairfax Avenue und Wilshire Boulevard eröffnet wurde, war das Warten wert.

Das monolithische Sphere Building – um das sich der Campus des Museums dreht – erhielt während des Baus den Spitznamen „Todesstern“ (das ist die Superwaffe aus Star Wars ). Das Äußere dieser beeindruckenden Struktur erinnert jedoch an die jenseitige brutalistische Eleganz, die der legendäre Produktionsdesigner Ken Adam für die großartigen 007-Filme aller Zeiten wie You Only Live Twice von 1967 beschworen hat .

Im Inneren der Kugel verleiht das David Geffen Theater mit 1.000 Sitzplätzen dem Begriff „Filmpalast“ mit seinen hochmodernen Projektionseinrichtungen und der glamourösen Farbgebung in Lippenstift-Rot eine neue Bedeutung. Oben auf der Kugel bietet die Dolby Family Terrace einen Panoramablick, der sich von Westwood bis zum Hollywood Sign über Beverly Hills erstreckt.

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Das Observatoriumsdeck wurde für Fototermine gemacht. Aber die dramatische Aussicht im Kontext eines Filmmuseums zu genießen, liefert eine starke Aufladung. Es fühlt sich an, als ob das Kuppeldach der Kugel, das aus Stahl und Glas gebaut wurde (wie die Fußgängerbrücken „Skyway“, die sie mit dem Galeriekomplex Saban Building verbinden), wie eine riesige Ausstellungsvitrine unter freiem Himmel funktioniert, die es den Besuchern ermöglicht, die Filmszenen, die, eingefangen inmitten dieses geschichtsträchtigen Ortes, unweigerlich beim Trinken in den Sinn kommen.

Die Ausstellung Backdrop: An Invisible Art des Museums – die bis Oktober 2022 in der doppelhohen Hurd Gallery des Saban-Gebäudes zu sehen ist – zeigt ein weiteres Stück monumentaler historischer Filmlandschaft. Die ikonische Mount Rushmore-Kulisse, die Robert F. Boyle für Alfred Hitchcocks Thriller North by Northwest von 1959 heraufbeschwor (das heißt, nachdem er die Außenskulptur abseilte), eröffnet den Raum als eines von vier „laufenden“ Exponaten.

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Die Kulisse von North by Northwest im Hintergrund: Eine unsichtbare Kunst in der Hurd Gallery im Academy Museum of Motion Pictures. JOSHUA WHITE, JWPICTURES/©ACADEMY MUSEUM FOUNDATION

In Galerien auf mehreren Ebenen inszeniert, kommen die laufenden Shows zusammen einer Reise durch die Geschichte des internationalen Films und der Oscarverleihung gleich. Zwischen all dem gibt es temporäre Shows, darunter die erste nordamerikanische Retrospektive des japanischen Animators Hayao Miyazaki (sein leuchtendes „Mother Tree“ ist ein Highlight) sowie kleinere, in Zusammenarbeit mit Filmemachern produzierte, auf die sie sich konzentrieren.

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Der Mutterbaum in der Hayao Miyazaki-Ausstellung im Academy Museum of Motion Pictures. FOTO VON JOSHUA WHITE, JWPICTURES/©ACADEMY MUSEUM FOUNDATION

Inspiration des Regisseurs: Spike Lee zum Beispiel erforscht die kulturellen Quellen, die seine Fantasie beflügeln. Pedro Almodóvar zeigt Sequenzen, die seine filmischen Einflüsse und langjährigen Musen auf mehreren Leinwänden in einer anderen Galerie beleuchten, die die monochromatische raumhohe Farbbehandlung des David Geffen Theatre erhält. Der Raum ist in ein spritziges Neonblau getaucht, das an die kräftigen Töne erinnert, die Almodóvars Filme charakterisieren, und insbesondere an den azurblauen Balenciaga-Hosenanzug, den Tilda Swinton in der Regisseurin 2020 kurz The Human Voice zur Schau stellte .

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Die Pedro Almodovar gewidmete Galerie im Academy Museum of Motion Picture. JOSHUA WHITE, JWPICTURES/©ACADEMY MUSEUM FOUNDATION

Alle Aspekte der Museumskuration zu definieren ist eine egalitäre Perspektive, die People of Color und Frauen anerkennt (die heute in allen großen Kulturinstitutionen Standard ist). Auch soziale Basisbewegungen wie #OscarsSoWhite, #MeToo und Black Lives Matter intensivierten den inklusiven Fokus des Museums.

Der Standpunkt wird in der Show Stories of Cinema 1 der Spielberg Family Gallery deutlich hervorgehoben  . Dieses hypnotische Videokunstwerk zeichnet die vielfältigen Wege der Filmgeschichte nach, indem es Sequenzen und Stills aus einer beeindruckenden internationalen Auswahl von 700 Filmen, die von Männern und Frauen inszeniert werden, sampelt. Das 13-minütige Stück – zusammengestellt von der Ausstellungskuratorin des Museums, Jenny He – wird nachdenklich von historischen Schwarz-Weiß-Dokumentarfilmen begleitet, nämlich Louis Lumières 1895  Exiting the Factory  (bekannt als der Originalfilm) und Garrett Bradleys  Time . Nachdem Bradley als erste Afroamerikanerin den Regiepreis des US Documentary Competition des Sundance Film Festival 2020 gewonnen hatte, erhielt sie eine Oscar-Nominierung.

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Dieser Installation Macht zu verleihen, ist ihre illusorische Qualität. Ton, meist Dialog, verleiht den filmischen Sequenzen Bewegung. Eingehüllt in einen Ton stimmungsvoller Dunkelheit – nennen wir es Dämmerung – scheinen die sechs doppelseitigen Leinwände, die die „Multichannel“-Ausstellung beleuchten, inmitten der verglasten Galerie zu schweben.

Warum der atemberaubende „Auftakt“ von Stories of Cinema – der als dreiteilige Show die Hauptattraktion des Museums ist – in einer Galerie neben dem Souvenirladen des Museums untergebracht ist und warum er sich Stockwerke unter den beiden weiteren Abteilungen der Ausstellung befindet , sind einige der Fragen, die ein Besuch im Akademiemuseum aufwirft.

Das Saban-Gebäude verfügt über 50.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche. Angesichts der Mission des Academy Museums, den Besuchern ein immersives Seherlebnis zu bieten, das mit dem Anschauen eines Films vergleichbar ist, ist es möglicherweise besser, Stories of Cinema – sowie ein Trio von Academy Awards-Ausstellungen auf mehreren Ebenen – kontinuierlich in konsolidierten Galerienetzwerken zu platzieren. Der durch die aktuelle Anordnung bedingte Aufstieg über Rolltreppen und über lange Flure kann das „Gefühl der Ausdehnung und Verdichtung“ hervorrufen, das Pianos Konzept für das Museum charakterisieren soll. Aber warum muss der Besucher so hart arbeiten, um alles durchzustehen?

Der Kuration von Stories of Cinema 2 , die „Significant Movies and Moviemakers“ untersucht – darunter Citizen Kane , Thelma Schoonmaker und Bruce Lee – fehlt es an Dynamik. Zu den ersten Objekten, auf die das Auge fällt, gehört zu Beginn dieses Abschnitts ein signiertes Poster von Citizen Kane . Es ist eines von mehreren Filmplakaten, die im gesamten Museum hängen und alle besser für das Restaurant Fanny’s geeignet zu sein scheinen. (Poster sind auch im Souvenirladen erhältlich.) Im musealen Kontext ist Schlüsselkunst wirksam, wenn sie in einer ihrer Entstehung gewidmeten Ausstellung zu sehen ist. Hier wirken die Plakate eher wie Füller denn als echte Artefakte.

Eine Installation, die Schoonmakers virtuose Karriere feiert, dreht sich um eine unplugged Flachbett-KEM-Schnittmaschine, die aussieht, als wäre sie aus dem Lager gefahren und auf einer Plattform abgestellt. Das Juwel, um das Bruce Lees Installation fließen sollte – der zweiteilige Anzug mit einer Tangzhuang-Jacke, den er 1973 in Enter the Dragon trug – wird von einer Leinwand in Szene gesetzt. Der Monitor befindet sich gegenüber dem Kostüm und projiziert dynamische Kampfsequenzen, die den Drachen darstellen, der die Kraft von Jeet Kune Do (der Hybridform der Kampfkunst, die er entwickelt hat) nutzt, um seine Gegner zu verringern. In der Erklärungstafel des Kostüms (die sich wie viele im Museum am unteren Rand der Vitrine befindet und nicht auf einem Riser, um das Lesen zu erleichtern) wird  Enter the Dragon nicht erwähntKostümbildnerin Sheng-Hsi Chu. Selbst wenn er den Anzug von der Stange kaufte, sollte Herr Chu Anerkennung verdienen.

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Die Ausstellung von Bruce Lee in Stories of Cinema 2: Significant Movies and Moviemakers im Academy Museum of Motion Pictures. JOSHUA WHITE, JWPICTURES/©ACADEMY MUSEUM FOUNDATION

In den letzten Jahren hat Hollywood Film- und Fernsehkostümepos mit dem legendären Prunk produziert, der an Klassiker der Goldenen Ära erinnert. Trotzdem teilt sich dieses Handwerk, das eigentlich ein eigenes Museum verdient – ​​wenn nicht sogar einen Flügel im Akademiemuseum – den Platz in der durchschnittlich großen Identity Gallery zusammen mit der Handarbeit von Haardesignern und Visagisten. Sartorial-Showstopper, die seltsamerweise einen ähnlichen Farbton von hell schimmerndem Grün haben – nämlich Travis Bantons königlicher Satinschmuck, der für Claudette Colberts Darstellung der Titelfigur in Cleopatra von 1934 produziert wurde, und eine paillettenbesetzte Meerjungfrau-Aufmachung, die Mary Zophres für Scarlett Johanssons Darstellung von DeeAnna Moran in 2016 entworfen hat Heil, Cäsar! — in Kisten stehen, die zu klein sind, um ihrer Verarbeitung gerecht zu werden oder sie vom Besucher aus allen Blickwinkeln bewundern zu können.

Die Ansammlung mehrerer Kostüme, die den Besucher dazu einladen – dank eines „in the round“-Konzepts – ist gespickt mit kunstvollen, voluminösen Kleidungsstücken, die um Aufmerksamkeit wetteifern. Denken Sie: das Maikönigin-Kostüm, das Andrea Flesch für Midsommar 2019 aus 10.000 Seidenblumen konstruiert hat, und das „Teufelskostüm“, das Julian Day für Rocketman 2019 mit 140.000 Swarovski-Kristallen verziert hat .

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Kostüme in der Identity Gallery des Academy Museum of Motion Pictures. JOSHUA WHITE, JWPICTURES/©ACADEMY MUSEUM FOUNDATION

Eine lineare Erzählung, die die Geschichte des Hollywood-Kostümdesigns vermittelt – das von seinen Anfängen an von LGBTQ-Communitys und von einer Generation von Frauen definiert wurde, die lange vor der Entstehung des Begriffs die gläserne Decke zerschmetterte – könnte Identity einen sinnvollen Rahmen geben, der Zeichnungen und Kostüme verwendet und Monitore, um zu vermitteln, wie Bildschirmgarderoben Filmfiguren formen.

Inmitten einer Galerie porträtiert Reden Oscar Akzeptanz auf technisch beeindruckende Rundum – Bildschirme, gibt es ein paar Ensembles , die auf der großen Nacht erschienen sind, darunter das Kleid , in dem Rita Moreno die beste Nebendarstellerin Oscar bei der 34. Oscar – Verleihung für 1961 wird behauptet , West Side Story und die sie bei der Zeremonie 2018 erneut zur Schau stellte. Die niedrige Decke und die ungleichmäßigen Lichtverhältnisse der Galerie mindern die Wirkung des 12-köpfigen Oscar-Ensembles, das Bob Mackie für Cher anfertigte, als er 1986 den besten Nebendarsteller Oscar (für Don Ameche) präsentierte und den er mit einem zwei Fuß langen Kopfschmuck überstieg mit 800 tintenschwarzen Hahnenfedern. Es ist so magisch und könnte so schimmernd aussehen wie Dorothys rubinrote Pantoffeln aus Der Zauberer von Oz . von 1939, die in einer der Filmkunst gewidmeten Galerie zu sehen sind.

Angesichts der Tatsache, dass eine Dreiergruppe immer einprägsamer ist als ein Duo, könnte ein Begleiter für die Oscar-Kleidung – wie das Samtkleid von Christian Siriano, das Billy Porter bei den 91. Chers Bob Mackie und Morenos Kleid wirken ein bisschen einsam, ebenso wie Bruce the Shark und eine Rolex-Uhr, die einst Paul Newman gehörte. Der erstere, der letzte verbliebene Hai, der aus der Originalform für das Raubtier Jaws geschaffen wurde  , hängt allein im hoch aufragenden Atrium des Saban-Gebäudes. Letztere, die 1968er Rolex Cosmograph Daytona der Schauspiellegende, befindet sich in einem Koffer in der Nähe von Chers Schaufensterpuppe.

Die Ausstellung der Uhr – die nach der Versteigerung für 17,8 Millionen US-Dollar von Phillips New York im Jahr 2017 zur teuersten Rolex wurde, die jemals verkauft wurde – ist anscheinend eine Gefälligkeit der Schweizer Uhrenmarke, nach der die Galerie mit Stories of Cinema 3 benannt ist. Es verdient eine Installation, möglicherweise eine, die den Erinnerungsstücken gewidmet ist, die Schauspieler oft verwenden, um ihren Charakter zu verarbeiten oder in herausfordernden Situationen wie der Oscar-Nacht bei sich zu behalten.

Einfallsreichtum und kuratorische Risikobereitschaft könnten diese Botschaft an den Sponsor und einige der anderen Bereiche des Museums übermitteln, die sich noch nicht ganz bereit für ihre Nahaufnahme fühlen. Nichtsdestotrotz wird die dramatische Abenteuerlust, die Renzo Piano dem Akademiemuseum verliehen hat – und die das Handwerk definiert, das es hervorhebt – hoffentlich mit der Zeit auf seine Ausstellungen durchdringen.

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